ISSN: 2343-6271
ISSN-E: 2739-0004
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Recibido: 2025/02/20 Aceptado: 2025/04/20
Página 98
Estética del vacío y generación algorítmica en la creación sonora contemporánea
Aesthetics of the void and algorithmic generation in contemporary sound creation
DOI: https://doi.org/10.5281/zenodo.16460626
Jara Contreras, Oscar Santiago
1
Correo: oscarjarz@gmail.com
Orcid: https://orcid.org/0009-0009-4244-0497
Universidad Academia de Humanismo Cristiano. Santiago, Chile
Resumen
En un mundo donde el silencio se ha convertido en un bien escaso, la creación sonora contemporánea
fluctúa desde la meditación del vacío hacia la complejidad de la generación algorítmica. Este artículo
estudia cómo la estética del vacío, aludiendo a la contemplación del silencio y la ausencia, se relaciona
y complementa con las prácticas de creación sonora basadas en algoritmos. Por lo tanto, el presente
documento examinó la forma en que estos enfoques son explorados e infundidos en la práctica creativa
de artistas contemporáneos a través de un análisis de casos y una revisión bibliográfica. En su diversa e
intercambiable utilización de representaciones de presencia y ausencia, de control humano e
independencia del aprendizaje automático, los resultados presentan colectivamente que la tensión entre
los dos es aún más productiva. A su vez, sugiere direcciones inexploradas para las artes prácticas y la
teoría estética en la era digital.
Palabras clave: estética del vacío, generación algorítmica, creación sonora, arte contemporáneo
Abstract
In a world where silence has become a scarce commodity, contemporary sound creation fluctuates
between the meditation on emptiness and the complexity of algorithmic generation. This article explores
how the aesthetics of the void—invoking contemplation of silence and absence—relates to and
complements sound creation practices based on algorithmic processes. Through case analysis and a
literature review, the study examines how these approaches are explored and infused into the creative
practices of contemporary artists. In their diverse and interchangeable use of representations of presence
and absence, of human control and machine learning autonomy, the findings collectively show that the
tension between the two proves to be increasingly productive. Moreover, it suggests unexplored
directions for practical arts and aesthetic theory in the digital age.
Keywords: aesthetics of emptiness, algorithmic generation, sound creation, contemporary art
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Máster Universitario en Investigación Musical.
Sección: Artículo científico 2025, julio-diciembre, vol. 13, No. 26, 98-107
Perspectivas. Revista de Historia, Geografía, Arte y Cultura. 2025/julio-diciembre, vol. 13, No. 26, 98-107 - Venezuela
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Introducción
En un estudio basado en la idea de que, como el lienzo en blanco, el silencio ha sido el terminus a
quo de la creación de sonido a lo largo de la historia, se plantea que en esta era digital hace que los
algoritmos sintonicen ritmos y melodías, el silencio se erige como un verdadero acto de resistencia. Esta
pieza se adentra en la paradoja de un arte que busca su significado tanto en la ausencia como en la
abundancia.
En las últimas décadas, este campo creativo ha cobrado vida gracias a nuevas tecnologías que
transforman el "vacío" en un paisaje sonoro, un espacio para la reflexión y la exploración del ser. Así,
este trabajo se propone examinar las condiciones en las que las estéticas del vacío y la generación
algorítmica coexisten y se tensan en la creación sonora contemporánea, ofreciendo nuevas perspectivas
sobre las interacciones entre arte, tecnología y percepción.
A través de un análisis de casos y una revisión bibliográfica, se investigan las circunstancias que
permiten que estas estéticas convivan y se desafíen en la creación sonora actual. En este contexto, se
indaga en cómo la representación de la presencia y la ausencia, así como la interacción entre el control
humano y la autonomía de los algoritmos, abre nuevas posibilidades para la creación artística. Así es
como la interacción entre estas dos perspectivas no es una discrepancia; más bien se convierte en un
campo fértil para explorar sonidos y descubrir nuevas perspectivas sobre la conexión entre arte,
tecnología y percepción. La contradicción entre lo vacío y lo pleno crea una dinámica crucial en la
investigación artística actual; abre nuevas vías tanto en la práctica como en la teoría estética en la era
digital al sugerir enfoques inexplorados.
1. Fundamentos teóricos
1.1 Estética del vacío
La estética del vacío, el vacío conceptual y la desmovilización han sido temas recurrentes en la
filosofía, la cultura y el arte. Particularmente, en la música, la ausencia y el silencio se consolidan como
elementos compositivos autónomos. Desde esta perspectiva, el vacío no se concibe como una simple
carencia, sino como una entidad potencial, abriendo la posibilidad a una experiencia estética distinta. Tal
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como señala Hidalgo (2024), el vacío deviene un ente que propicia la emergencia de lo otro del espacio,
rompiendo con las convenciones preexistentes y generando nuevos sentidos y significados. Influido por
la filosofía oriental como el taoísmo y el budismo zen, este enfoque contempla el silencio y la ausencia
como medios para la reflexión y la transformación de los valores estéticos, sociales y artísticos.
El filósofo y teórico de la música John Cage, se erige como una de las figuras más representativas
de estética en el ámbito musical. Una de sus obras más conocidas es 4′33, un ejemplo de integración
radical del vacío en la composición. Dividida en tres movimientos de total silencio, esta pieza anima a
los oyentes a recordar la importancia del sonido ambiente y basarse en la percepción auditiva en sí misma.
Cage insistió en que su obra no era un caso de sin sonido sino de sonidos que no solían hacerse
inmediatamente evidentes, apareciendo cuando el intérprete resistía hacer sonidos intencionales.
4′33″ desafiaba la concepción convencional de la música, y aunque los críticos a menudo se burlaban de
la idea de que la pieza hubiera mostrado significado o talento, presentaba algo del mensaje que Cage
deseaba transmitir: música no es la creación de sonidos, sino un ejercicio en percepción, y el silencio
también puede ser significativo.
Además, Cage también empleó su arte para transformar la manera en que entendemos el silencio
en la música; de hecho, propuso que el silencio en sí mismo podría considerarse una “composición”.
Aquí se hace un esfuerzo consciente por desafiar los enfoques tradicionales de la creación musical, donde
el sonido siempre ha sido el protagonista indiscutible. 4′33″ nos invita a ver el vacío no solo como la
falta de sonido, sino como un elemento activo que afecta cómo percibimos la música, creando una nueva
conexión entre el oyente, el espacio sonoro y el tiempo musical.
Por lo tanto, con ayuda de esta perspectiva, la idea de vacío en la música de Cage rompe los límites
de la creación del sonido y se convierte en una amenaza conceptual, lo que significa que el silencio se
convierte en una acción activa de la audición. En otras palabras, el vacío es una herramienta, con base en
filosofía y estética, que nos permite recorrer no solo sobre las convenciones musicales tradicionales, sino
también acerca del espacio más amplio que cada ser humano crea a través de la melancolía.
La importancia de esta estética en la música contemporánea ha motivado un escrutinio profundo
por parte de diversos compositores y artistas sonoros. Estos creadores han investigado a fondo el silencio
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como una estrategia de confrontación frente a las convenciones hegemónicas de la tradición musical
occidental. En este contexto, el vacío emerge como un ámbito de emancipación, donde la ausencia no se
concibe bajo la óptica de una restricción, sino como el punto de partida hacia un abanico ilimitado de
potencialidades. Es precisamente en este encuentro donde cada acto de audición e interpretación se erige
como una singular génesis de significación
1.2. Generación algorítmica
Por otro lado, la generación algorítmica en la música introduce un enfoque completamente
diferente, pero igualmente innovador, sobre cómo la ausencia y la intervención pueden redefinir la
creación musical. La creación musical mediante algoritmos computacionales es el resultado directo del
avance tecnológico y la aplicación de Inteligencia Artificial (IA) en el arte. Así como la estética del vacío,
busca transformar la percepción del espacio sonoro, la música algorítmica transita en la creación de
sonidos a un espacio donde las máquinas asumen un papel creativo de autoría, gestando composiciones
complejas sin necesidad de intervención humana directa.
Este tipo de creación de música, que se inspira en la cibernética y el estudio de sistemas dinámicos,
emplea algoritmos y software para generar composiciones basadas en un conjunto de comandos
previamente determinados, patrones aleatorios, o procesos evolutivos. En el ámbito de la música
generativa, los compositores o programadores establecen las reglas del sistema y luego dejan que la
máquina se encargue de crear las estructuras sonoras. Este fenómeno posibilita la emergencia de
composiciones inherentemente variables, cuya configuración se encuentra supeditada a la naturaleza de
los datos de entrada y a las alteraciones introducidas en los parámetros del sistema (Morales, 2009).
La implementación de instrumentos como MuseGAN, una red generativa adversarial concebida
para la creación de música multicanal, ha evidenciado de manera fehaciente la capacidad de la
inteligencia artificial para generar obras musicales complejas, caracterizadas por múltiples estratos y
estilos, trascendiendo las restricciones inherentes a la composición humana convencional. Dentro de este
marco, la música generada mediante algoritmos puede interpretarse como una suerte de vacío creativo,
dado que su proceso de concepción no reside íntegramente bajo la égida del compositor. Por el contrario,
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su desarrollo se articula en función de las dinámicas algorítmicas, lo que propicia una participación
humana reducida a su mínima expresión.
De manera análoga a la estética del vacío explorada en la música de Cage, la música generada
algorítmicamente nos induce a una reconsideración de la noción de autoría y a un examen crítico de las
jerarquías compositivas. En lugar de concebir al compositor como el único agente responsable, la música
algorítmica nos brinda una perspectiva novedosa del arte como una empresa colaborativa entre entidades
humanas y artificiales.
2. Metodología
La presente investigación se sitúa dentro de un enfoque cualitativo, de índole exploratoria e
interpretativa, cuyo cometido primordial consistió en elucidar la intersección conceptual entre la estética
del vacío y la generación algorítmica en el panorama de la música contemporánea. A tal efecto, se
implementó una estrategia metodológica que aunó el análisis de obras sonoras y la revisión exhaustiva
de la literatura especializada, seleccionando ejemplos paradigmáticos que evidencian la manera en que
dichas corrientes ejercen influencia sobre los procesos creativos y la percepción musical.
El compendio de obras se estructuró en torno a aquellas obras que evidencian la integración de
silencio, ausencia, aleatoriedad o delegación compositiva en sistemas automatizados. Dicho compendio
incluye piezas paradigmáticas como 4'33" de John Cage, en conjunción con obras generadas mediante
herramientas de inteligencia artificial, verbigracia MuseGAN. La selección se llevó a cabo atendiendo a
criterios de diversidad geográfica, estilística y técnica, con la finalidad de ilustrar la amplitud de este
fenómeno.
El procedimiento analítico esencialmente consistió en la identificación de patrones estructurales,
conceptuales y técnicos, aunado al reconocimiento de las tensiones estéticas derivadas del uso del vacío
y de los algoritmos. La arquitectura teórica de la presente investigación se sustentó en categorías
conceptuales del tenor de “autoría expandida”, “silencio activo”, “delegación creativa” y “entorno
sonoro”.
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3. Resultados
El análisis de casos permitió observar una serie de convergencias conceptuales y estéticas entre la
noción del vacío particularmente vinculada al silencio y la ausencia sonora y la creación algorítmica,
entendida como la delegación parcial o total de decisiones compositivas a sistemas automatizados. Uno
de los hallazgos más relevantes es la resignificación del silencio como un elemento compositivo activo.
En la pieza 4′33″ de John Cage (1952), el intérprete observa un mutismo durante un lapso de cuatro
minutos y treinta y tres segundos, conminando al oyente a orientar su atención hacia la sonoridad
ambiental, tales como expectoraciones, movimientos o susurros del auditorio. Esta audición activa
redefine la función tanto del compositor como del oyente, y su influjo puede rastrearse en obras ulteriores
como In a Landscape de Radu Malfatti, donde extensas pausas y eventos sónicos mínimos instan a una
contemplación pausada del fenómeno sonoro.
Por otro lado, el análisis evidenció cómo el uso de algoritmos promueve una expansión de la noción
de autoría. En MuseGAN (Yating Music and AI Lab, 2017), una red generativa adversaria (GAN) es
instruida para crear acompañamientos musicales de múltiples pistas, lo que desplaza al compositor desde
la escritura directa de notas hacia el diseño de entornos algorítmicos. Esta idea halla también su correlato
en la obra de Holly Herndon, singularmente en su álbum PROTO (2019), donde una inteligencia artificial
vocal denominada Spawn, adiestrada con fonemas humanos, participa como agente creativo. En ambos
supuestos, el compositor ejerce como artífice o comisario de procesos, atenuando la noción de creación
individual en pro de una lógica de co-creación entre entidades humanas y artificiales.
Asimismo, se verifico que la indeterminación emerge como un principio estético convergente entre
prácticas experimentales y generativas. Obras como Stimmung de Karlheinz Stockhausen, aunque no
algorítmica, proponen un enfoque de improvisación estructurada que encuentra eco en el contexto digital
de los Algoraves. En este movimiento, artistas como Alex McLean (creador de TidalCycles) programan
código en tiempo real para generar música electrónica en directo, introduciendo variables aleatorias e
iterativas que conllevan resultados imprevisibles, donde el azar y la máquina comparten protagonismo.
Otro aspecto relevante es la hibridación entre lenguajes y soportes. Variations for Vibes, Pianos
and Strings (2005) de Steve Reich, a pesar de no recurrir a la IA, aplica procesos compositivos de base
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matemática como las fases temporales, prefigurando estrategias algorítmicas. Esta metodología se
recontextualiza en instalaciones como Listening Post de Mark Hansen y Ben Rubin (2002), la cual
transmuta textos extraídos de salas de chat en tiempo real en una experiencia audiovisual interactiva,
gracias a tecnologías de scraping, procesamiento del lenguaje natural y síntesis de voz. Aquí, los datos
se transforman en material artístico, desdibujando las fronteras entre composición, programación y
diseño de interacción.
En último término, la implicación activa del oyente como co-creador se erigió como una constante
en diversas obras contemporáneas. En The Fragmented Orchestra (2008), de Jane Grant, John Matthias
y Nick Ryan, micrófonos ubicados a lo largo y ancho del Reino Unido registran sonoridades ambientales
que son procesadas sincrónicamente, gestando una pieza colectiva donde el oyente y el entorno
constituyen parte intrínseca del proceso compositivo. Algo similar ocurre en las instalaciones de Bill
Fontana, como Harmonic Bridge (2006), donde sonidos de infraestructuras urbanas son amplificados y
reorganizados, permitiendo al oyente experimentar su entorno de manera transformada.
En síntesis, estos ejemplos evidencian una metamorfosis trascendental en los modos de creación
sonora contemporánea. El vacío, entendido como silencio, espacio y contemplación, y el algoritmo,
concebido como lógica, repetición y automatización, no se antagonizan, sino que se amalgaman como
estrategias compositivas sinérgicas que subvierten los límites tradicionales de la música y el arte sonoro.
Dicha confluencia da lugar a una nueva estética fundamentada en la incertidumbre, la colectividad y la
emergencia de formas sonoras que trascienden el control absoluto del creador.
3.1. Análisis y discusión de los resultados
Los resultados obtenidos evidencian una vinculación intrínseca entre el vacío y el algoritmo,
entendidos como dos estructuras de creación musical que cuestionan de manera fundamental las
convenciones del hacer compositivo. La estética del vacío, tal como fue desarrollada por Cage y retomada
en diversas corrientes experimentales, posiciona al oyente como protagonista, desplazando el foco desde
el autor hacia la experiencia auditiva situada. De forma análoga, la generación algorítmica confiere la
creatividad a sistemas que operan con lógicas ajenas a la cognición humana, incitándonos a reexaminar
el papel del compositor.
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Ambas praxis convergen en un punto donde el distanciamiento del control absoluto y la asunción
de lo sonoro en perpetua mutación se manifiestan. Dicha tensión entre el control y la indeterminación
nos lleva a cuestionar temas como la subjetividad, la tecnología y la materialidad del sonido. A la vez,
se verifica una convergencia estética, donde el vacío y el algoritmo se retroalimentan entre sí como
tácticas de creación en el arte sonoro actual.
Se observa también una línea de continuidad histórica: si bien Cage utilizó herramientas análogas
como el I Ching para introducir la aleatoriedad en sus composiciones, en la actualidad los algoritmos y
redes neuronales ejercen un papel homólogo, pero de una manera más sofisticada, prosiguiendo aquella
exploración de aleatoriedad y apertura formal. El núcleo de todo esto se encuentra en el deseo de
transformar la experiencia auditiva, fomentando la implicación activa del oyente como un arquitecto de
sentido.
Conclusiones
La presente investigación ha determinado que las nociones de vacío y generación algorítmica no
solo constituyen enfoques técnicos y conceptuales divergentes, sino que también operan como estrategias
estéticas que se entrelazan en el ámbito de la música contemporánea. Ambas praxis subvierten el
paradigma habitual de la composición, desplegando un espectro de nuevas posibilidades para la creación
sonora y la contemplación estética.
En efecto, los objetivos que se plantearon al inicio de esta investigación se lograron cabalmente al
examinar en detalle cómo estas corrientes ponen en tela de juicio las ideas preestablecidas sobre la
autoría, transforman de manera fundamental la relación que se establece entre la obra y el oyente, y
sugieren caminos inexplorados para la escucha y la creación musical. La integración del vacío,
comprendido como un elemento dinámico, y la conceptualización de los algoritmos como entidades co-
creadoras, en un proceso que amplía significativamente su alcance, remodelan el panorama musical
contemporáneo.
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